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Posted on by Diego Bonadiman Posted in Helado Negro
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Helado Negro – This Is How You Smile


NSe você é familiarizado com a obra de Roberto Carlos Lange como Helado Negro, uma coisa que chama a atenção logo numa primeira passada por este álbum é que ele é muito mais “certinho” do que os anteriores. A estética aqui é muito mais melódica e bem amarrada do começo ao fim, e já nos primeiros momentos dá pra perceber que esse som mais despido das viagens de arranjo e do experimentalismo acentuado dos registros anteriores serve a um propósito narrativo muito claro que é o de evocar memórias.

Instrumentalmente, temos alguns poucos relapsos do Helado Negro de sempre pesando a mão nos sintetizadores e baterias eletrônicas como na abertura “Please Won’t Go” mas o piano em reverb acaba suavizando a faixa. Essa é uma dinâmica interessante que aparece em todo o álbum, quando ele chega muito perto do experimentalismo eletrônico dos trabalhos anteriores, algum instrumento tradicional vem e compensa isso, fazendo a música soar mais amigável. A produção de Roberto Carlos Lange é impecável e dosa bem os momentos em que um trabalho mais acústico e tradicional é o melhor caminho ou quando o som eletrônico ajuda a passar a mensagem de uma forma mais precisa.

Um ponto interessante é que o trabalho como um todo grita latinidade sem apelar pra clichês que poderiam passar essa mensagem de forma equivocada. Essa expressão da cultura latina é colocada algumas vezes de forma bem sutil como no fraseado de violão de “Imagining What To Do”  ou bem mais explícita como na belíssima “Pais Nublado” que com um ritmo dançante relata a conversa um pai e um filho latinos que tentam ganhar a vida nos os Estados Unidos e conversam com o pai falando em espanhol e o filho respondendo nos versos em inglês relatando a dualidade de sentimentos e cultura que uma vivência dentro da névoa que é a situação dos latinos nos EUA atual.

A forma como as faixas são colocadas equilibram bem esse aspecto mais social com algo mais íntimo e pessoal que evoca uma nostalgia agridoce por diversos momentos da vida como a memória do amor em “Running” ou as memórias de infância como em “My Name Is For Friends”. Seja através dos arranjos ou das letras, cada faixa deixa uma sensação de saudade e distância depois que acaba mesmo nas faixas mais upbeat como “Seen My Aura”, as frases de guitarra e até mesmo os vazios da batida te levam pra um lugar nostálgico.

This Is How You Smile toma seu título emprestado de uma passagem do pequeno conto “Girl” da autora antiguana Jamaica Kincaid que narra conselhos de uma mãe imigrante para sua filha sobre a melhor forma de se comportar para poder viver em paz em solo estadunidense. Além do título, o que Roberto Carlos Lange pega do conto é o conflito de sentimentos que ele, como descendente de imigrantes, conhece bem que é crescer como latino na América do Norte, tentando conservar tradições ao mesmo tempo em que tenta se encaixar num outro meio e trabalha isso de uma forma que une poesia e confissão, falando de algo ultrapessoal e específico para atingir sentimentos universais como a solidão, a saudade e o não-pertencimento.

OUÇA: “Please Won’t Please”, “Pais Nublado”, “Todo Lo Que Me Falta” e “My Name Is For Friends”

OUÇA:

Posted on by Lucas George Wendt Posted in Betty Who
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Betty Who – Betty



A carreira de Jéssica Anne Newmann, conhecida como Betty Who artisticamente, inicia em 2012, por meio de um single liberado para download independentemente. Era “Somebody Loves You”, que muito rápido alcançou sucesso na internet, em especial em Youtube.

Certamente você já ouviu alguma coisa da Betty Who, já que a artista é figurinha carimbada em playlists em serviços de streaming. Com um estilo inconfundível, que mescla fortes referências aos anos 1980 com synth e dance pop, Betty canta, muitas vezes, sobre sentimentos agridoces com upbeats.

Em 2013 foi lançado o primeiro extended play (EP) de sua carreira, The Movement. Em 2014 surge o primeiro álbum, Take Me When You Go, depois do lançamento de um segundo EP, Slow Dancing. Ambos foram muito bem recebidos pela crítica e audiência.

Neste meio tempo, a partir dos primeiros lançamentos, a aclamação pelo estilo retrô de suas canções, com forte apelo oitentista, rendeu convites para participações na TV, em turnês – de Katy Perry e de Kylie Minogue – na Austrália e estreias significativas nas paradas internacionais.

The Valley, o segundo disco, foi lançado em 2017. Apresenta canções com mais elementos eletrônicos, letras mais maduras e não abandona as referências aos anos 1980.

O fato que é Betty Who nunca abandonou a fonte oitentista onde embebe suas canções. E isso é presente no lançamento mais recente, o Betty, de 2019. Este é um registro que, dentre todos, é o que mais de distância de Take Me When You Go – o debut. Por isso é necessário fazer um breve retrospecto da carreira pra entender o que disco mais recente propõe.

Em Betty Jessica Anne canta, mais uma vez, sobre situações que vive, como em “Marry Me”, e aproxima sua música de um contexto mais comercial e radiofônico. Não soa mal. Na verdade, o resgate em que ela aposta soa muito bem em faz sentido ouvir sua música alinhada com as características daquilo que faz sucesso atualmente, sem deixar de lado a personalidade musical de Betty. Mesmo as músicas mais diferentes do álbum, o caso de “Taste”, por exemplo, conservam elementos particulares de suas canções – como os agudos, refrão fácil e eletro.

OUÇA: “Just Thought You Should Know”, “Between You & Me” e “Ignore Me”

Posted on by Andrei Rodrigues Posted in Ladytron
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Ladytron – Ladytron


Ladytron traz novas cores ao seu trabalho inovador iniciado nos anos 2000. Para antigos e novos ouvintes, o grupo de Liverpool carrega seus tripulantes por um roteiro energético, inconformado e revigorante do seu electro-pop e shoegaze que os consolidou e inspirou diversas bandas.

Oito anos desde seu último projeto de estúdio, o álbum homônimo chega com um grito ritmado, “Until The Fire” anuncia com sua bateria emoldurada pela icônica combinação dos vocais de Helen Marnie e Mira Aroyo ah que veio ‘Oh we hang on the wire, and the walls get higher / Just until the fire catches them’. Um prelúdio para um álbum distópico.

Na segunda e ótima faixa “The Island”,  a banda invoca suas raízes do sinthypop dos anos 80 com um toque de Chvrches – que Helen já afrimou ser uma grande fã – um eco energético e revigorado do trabalho que consolidou a banda, “We are sirens of, of the apocalypse / Poisoned paradigma / We are savages, give them your poison lips”.

Ao decorrer do álbum com boas faixas como “Far From Home” e “Paper Highways”, o grupo como um dos precursores do ressurgimento do sinthypop nos anos 2000, mostra que continua afiado, atual e incisivo na construção de um álbum – marca já registrada em seus últimos trabalhos.

A segunda parte do álbum reserva boas faixas com um mix de uma banda consolidada mas inconformada em olhar apenas para o passado, “Deadzone” com sua energia ritmada numa vibe e enredo cyber-punk, ‘Don’t come knocking with your night moves / My resistance is your weakness’ transparecendo à faixa Manequin com um quê de pista ao mesmo tempo saudosista e futurista. Bons exemplos de como Ladytron se mantém fiel à qualidade, com uma sonoridade familiar, mas nunca obsoleta.

O retorno de Ladytron oito anos depois foi certeiro, atual e essencial.

OUÇA: “The Island”, “Deadzone”, “Figurine” e “Far From Home”

Posted on by Padrão do site Posted in Broods
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Broods – Don’t Feed The Pop Monster

Poucas coisas são mais irônicas do que começar um trabalho chamado Don’t Feed The Pop Monster com uma música pop até a medula. Ao longo de seu terceiro álbum, Broods mostra que a intenção da dupla não era fugir de sons grudentos. O foco era proporcionar canções pop que não fossem esquecíveis e sem personalidade.

Os irmãos Georgia e Caleb Nott continuam apostando no mesmo tom melodramático e até exagerado dos álbuns anteriores. Porém, isso ficou mais latente nas letras dessa vez, já que a sonoridade do novo lançamento está mais leve e próxima de artistas cheios de energia, como HAIM.

Mesmo não abandonando os sintetizadores pelos quais são conhecidos, o duo se arrisca um pouco mais, como em “Dust”, em que guitarras remetem a “Wicked Love”, de Chris Isaac. Outro risco foi colocar Caleb para cantar em “Too Proud”, o que acabou destoando do resto do álbum, em que a suavidade da voz de Georgie garante um clima de delicadeza, mesmo quando a euforia se sobressai.

O grande destaque fica por conta da proximidade com o dream-pop. Além disso, várias músicas dos irmãos nascidos na Nova Zelândia lembram bastante os vocais sussurrados e etéreos de Imogen Heap, assim como as melodias intimistas e inventivas da cantora, como em “Falling Apart”.

Broods também se joga em referências pop dos anos 90 e 2000 em alguns momentos, desde B-52s até Gwen Stefani.  Portanto, trata-se de mais um trabalho em que o duo tenta desafiar expectativas, mostrando como o pop ainda tem muita flexibilidade para ser divertido sem cair na obviedade.

OUÇA: “To Belong”, “Everyting Goes (Wow)”, “Peach” e “Hospitalized”

Posted on by Giovanna Querido Posted in Toro y Moi
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Toro y Moi – Outer Peace

Atrás do nome bilíngue Toro y Moi, está o músico e produtor americano Chazwick Bradley Bundick, conhecido como um dos grandes nomes do movimento chillwave . Mas, se você conhece Chaz Bear também sabe que sua música está sempre mudando de estética, de estilo e até de gênero musical.

Outer Peace é um dos álbuns mais acessíveis de Toro y Moi. Apesar da escuta fácil, a alternância de elementos de house, disco e future-funk o torna inconsistente. Não sabemos onde quer ele chegar. Soa mais com um grande álbum de música ambiente para lugares hipster-cools-techno.

A primeira metade de Outer Peace ainda possui um bom compilado de singles, mesmo que um pouco forçados. Faixas como “Freelance”, “Ordinary Pleasure” e “Laws Of The Universe” possuem uma boa mistura de funk com samples mais digitais, como se fossem grandes representações da sensação de euforia da era digital. Liricamente, a temática digital também está presente. Chaz escreve sobre a dependência tecnológica da sociedade e como ela nos leva a exaustão física e mental.

Em uma recente entrevista, Chaz comenta “Sexo ainda vende? Eu sinto que já vi de tudo, ou talvez eu esteja apenas velho ou talvez eu esteja entediado”. O álbum transparece todas essas opções juntas. Parece que eu também já ouvi essas músicas e fiquei entediada. Mas, talvez, eu também só esteja velha demais.

OUÇA: “Freelance”, “Ordinary Pleasure” e “Laws Of The Universe”

Posted on by Bárbara Blum Posted in Panda Bear
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Panda Bear – Buoys

É difícil pensar em alguma banda cujos integrantes produzam na escala que o Animal Collective produz e que conservem qualidade e integridade com a proposta inicial. Sem precisar fazer grandes malabarismos estilísticos, o Animal Collective (em todas as suas variações de composição) fez, desde o estreante Spirit They’re Gone, Spirit They’ve Vanished, de 2000, outros 10 discos enquanto conjunto, além de 9 EPs de qualidade tão boa quanto os discos e mais 3 álbuns ao vivo.

Um dos membros mais “ativos” da banda, Noah Lennox, que atende pelo nome artístico de Panda Bear, não fica atrás em sua produção solo: são pelo menos 6 álbuns atribuídos a ele enquanto performer solo. Assim como no Animal Collective, Noah manteve, ao longo desses 20 anos de atividade, uma linha produtiva extremamente coerente. Coerentes a ponto de beirarem o autoplágio. Se não fosse a capacidade de inovação e posição de vanguarda impressionante de suas produções (tanto solo quanto coletivas), cada um dos muitos lançamentos seria um tédio.

Mas esse não é o caso. Nunca é o caso. E não é o caso para Buoys (leia “bóias”, segundo o próprio Lennox em entrevista para O Globo), novo disco a ser lançado em fevereiro. Com 9 faixas de duração moderada (a mais longa mal chega aos 5 minutos), Buoys foi composto durante o período de preparação e turnê do aclamado Sung Tongs, que passou pelo Brasil no segundo semestre de 2018.

Apostando novamente no combo voz-violão, o álbum não é marcado pela complexidade das composições e nem dos arranjos, mas pela criação de uma atmosfera: vemos muito o uso dos ecos e efeitos na voz, pontuações eletrônicas e um uso ritmado do violão como marcador de percussão, assim como no Sung Tongs, mas em menor escala, deixando espaços menos preenchidos e mais reflexivos.

Assim como no coletivo Tangerine Reef, que, embora seja o primeiro trabalho do Animal Collective sem a participação de Panda Bear, Buoys coloca, em algum grau, a temática marítima — e enfrenta o mesmo problema de similaridade entre as faixas, como se cada uma fosse uma explicação da anterior e tornando difícil a distinção entre eleas, que Tangerine Reef. Claro que pode ser um risco associar esses dois trabalhos, especialmente porque um deles sequer conta com a participação de Lennox, mas, para mim, é impossível dissociar os trabalhos solo e coletivos nos quais Noah se envolve.

Se para o Tangerine Reef a NME falou em tediosos “tons de cinza” em contraposição à “bagunça colorida” de Merriweather Post Pavillion, podemos evocar a figura das cores para garantir para Buoys um lugar ao sol: os vocais são interessantes, pronunciados e, mesmo sem a sensação de “coletividade” que marca os vocais do Animal Collective, e do próprio trabalho solo do Panda Bear em outros momentos, evoca uma espécie de solidão compartilhada, como se estivéssemos à deriva (em bóias, que seja) sabendo que existem outras pessoas naquela situação.

Diferentemente dos tímidos 60% que Tangerine Reef marcou segundo o Metacritic, com opiniões ferozmente negativas, como a da NME, vejo Buoys no espectro da maturidade de Lennox: depois de um sucesso estrondoso do solo Panda Bear Meets The Grim Reaper, de 2015, avaliado acima dos 80% no Metacritic, e de uma excelente turnê com o Sung Tongs, Panda Bear nos mostra que ele é capaz de revisitar os próprios trabalhos e criar algo especial. Não propriamente novo, mas não menos especial por isso.

OUÇA: “Dolphin”, “Cranked”, “Master” e “Home Free”

Posted on by Larissa Basilio Posted in James Blake
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James Blake – Assume Form

Assume Form surge como o quarto álbum de estúdio do cantor e produtor inglês. Em seu último trabalho, Blake permeia o ambiente com seriedade e sentimento, transformando aquilo que é etéreo em som. Por meio do álbum, o cantor externa temas como o próprio ego, amor, luz e insegurança, utilizando as participações de Travis Scott, André 3000, ROSALÍA, Moses Sumney e Metro Boomin para a materialização temática do projeto.

Logo de cara, Blake mostra-se aberto, dialogando diretamente com o público, em uma espécie de divã. Há conversas francas sobre amor, confiança e entrega – e, claro, expectativa, como  em ‘I hope this is the first day, that I connect motion to feeling‘, trecho da faixa homônima. Existe aí anseio em expressar tudo de novo que permeia as sensações, sejam elas físicas ou imateriais.

O álbum possui cerca de 48 minutos de execução, divididos em 12 faixas. Assume Form é tudo aquilo que poderíamos esperar de Blake, com algo a mais. Ainda mais confessionalidade e passionalidade. As batidas transitam entre o que é quase imaterial, portanto, imperceptível, e sua voz captando a atenção do ouvinte para o que deve ser escutado. Blake dialoga graças ao seu magnetismo e identificação, afinal, quem nunca experimentou as sensações do amor?

“Into The Red”, quarta faixa do álbum, é uma grata surpresa, tanto em termos musicais quanto em sua narrativa. Em  sua entrevista para o iTunes, Blake revelou que a música foi feita para uma mulher que gastou tudo o que tinha para lhe dar algo. A ideia, para Blake, quebrou o pressuposto que atribui ao homem a questão financeira, atraindo-o para a ideia de igualdade. Enquanto o cantor narra sua história com a companheira, a melodia, com batidas leves e alegres, o acompanha como se dançasse com suas palavras. “Barefoot In The Park” possui participação da cantora espanhola de  eletro-flamenco ROSALÍA e, apesar dos belos vocais, não oferece nada de novo musicalmente, apresentando uma batida sem componentes singulares e totalmente esquecível.

Outra surpresa, um dos pontos altos do álbum, é a faixa “Where’s The Catch?, com participação de André 3000, rapper e integrante do aclamado duo OutKast, a música trabalha com jogo de palavras cantados por cima de uma batida obscura, onde as rimas de 3000 contrastam diretamente com a voz de Blake, criando uma dinâmica única e magnética, em um fluxo intenso e combinado de sons e rimas. “Lullaby For My Insomniac”, responsável por encerrar o álbum, é a síntese da doçura e expressa promessas genuínas a quem se ama.

O disco, moldado no etéreo e no diálogo, oferece ao ouvinte uma nova perspectiva de Blake, sintetizando sua entrega ao amor e, de certo modo, seu enclausuramento em uma bolha sentimental. Musicalmente, o cantor não oferece algo tão fora do esperado e, na verdade, isso não é ruim. O álbum funciona desta forma e apresenta um bom trabalho, relaxado e tranquilo. Novos ares, talvez?

OUÇA: “Assume Form”, “Where’s The Catch?”, “Into The Red” e “Power On”

Posted on by Emannuel Gomes Posted in Esben and The Witch
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Esben and The Witch – Nowhere

Algumas bandas conseguem continuar as mesmas apesar de mudarem muito. Esben and the Witch é uma delas. Ao ouvir Nowhere, não podemos dizer que a sensação seja de algum modo muito distinta da que vinha lentamente se apossando de nossos ossos nos primeiros álbuns. A banda continua particularmente sombria. E isso em uma intensidade que é difícil encontrar hoje em dia, ao menos fora do campo do metal. E a raiz das mudanças que a banda encarnou podem se originar aí. Cada vez mais caminham para ser uma banda de metal. Se no começo eram uma vertente do dream pop particularmente obscura, com muitos elementos eletrônicos, mas que não abafavam a visceralidade, hoje os vocais estão menos etéreos e mais dramáticos, com uma ênfase nos instrumentos do power trio deixando de lado tudo que tinham de experimental, que fazia com que se distinguissem de centenas de outras bandas.

O correto seria avaliar Nowhere como um álbum de metal, pois é isso que ele é. Acredito que quem gosta desse estilo musical e ainda não conhece a banda deve escutar esse trabalho e, provavelmente, vai gostar do resultado. Embora talvez se decepcione com os outros discos, caso se proponha a ir mais a fundo. Como álbum de metal, Nowhere é um belo representante. Já como um disco de Esben and The Witch, deixa bastante a desejar.

Se ainda existem alguns, sutis, traços de post-rock, também é verdade que as melodias são bastante tradicionais, beirando o genérico.

Os vocais aqui tomam um destaque inédito na trajetória do grupo. E, de fato, não são ruins. Mas os melismas exagerados, encaixados numa produção que é muito clara, faz com que o resultado seja esquecivel. Tudo é muito limpo, com um espírito operático que torna difícil a conexão. A sensação é de extrema artificialidade. Se a versão do gótico presente nesse disco não chega a ser a mesma da de um filme do Tim Burton, ao menos é igualmente desprovida de emoção real, da aflição que sabemos que o trio sabe fazer tão bem.

Não são só os vocais que seguram notas mais do que deviam. As guitarras constantemente fazem o mesmo, causando uma verdadeira sensação de que o álbum se arrasta. E de que estamos ouvindo uma mesma canção, ainda que com seus altos e baixos. A parte boa disso é que, por não ser longo, Nowhere pode realmente ser experimentado como se fosse uma única faixa, uma espécie de sinfonia. Considerando as referências das quais o metal costuma se apropriar, não é difícil imaginar que essa foi exatamente a intenção.

Ou seja, se, depois de ouvir as duas primeiras músicas, ainda tiver vontade de continuar, estiver gostando, pode ter certeza de que o resto também o fará, caso contrário, melhor passar para a próxima.

OUÇA: “A Desire For Light” e “Dull Gret”

Posted on by Angelo Fadini Posted in Imagine Dragons
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Imagine Dragons – Origins

Dentre as chamadas bandas de rock desta década, seja lá o que “banda de rock” ou “rockstar” venha a significar em 2018, o Imagine Dragons está no grupo das mais bem-sucedidas. Presença garantida em premiações, festivais e se consolidando como um dos atos mais vitoriosos quanto se fala em streaming, o grupo liderado pelo carismático Dan Reynolds lançou seu quarto disco, Origins, no começo de novembro. O álbum reforça o que o Imagine Dragons sabe fazer de melhor, ao mesmo tempo em que os faz cair em armadilhas bastante previsíveis. Aquele tipo de armadilha que só quem está absorto no processo não é capaz de prever, apesar do restante do mundo conseguir enxergar com clareza a direção que Origins seguiria.

O Imagine Dragons conseguiu bastante destaque já com seu disco de estreia, Night Visions, em 2012. Aquele disco contava com excelentes singles (“Demons”, “It’s Time” e “Radioactive”) e trouxe a sonoridade que a banda carrega até hoje: rock de arena com uma roupagem bastante pop. Apesar dos bons singles, o disco era bastante irregular, mas longe de ser ruim. Ruim mesmo foi o segundo disco cheio Smoke + Mirrors: longo, opulento e cansativo. No ano passado eles retornaram com Evolve e acertaram em cheio ao fazer um disco mais curto, menos superproduzido e com novos singles inegavelmente fortes (“Whatever It Takes”, “Thunder” e “Believer”).

Este é o histórico que nos traz até Origins, o segundo disco em pouco mais de um ano. Este é um álbum que mergulha de vez no pop e se perde em meio a seus lugares-comuns. Aqui há espaço para influências industriais, oitentistas, de R&B e de música africana. Essa diversidade é um ponto positivo do disco, no entanto os clichês saltam aos olhos. As batidas genéricas de “Boomerang”, “Cool Out” e “Stuck” poderiam estar em qualquer um dos trabalhos mais recentes do Maroon 5. Até a forma de dividir as palavras no refrão de “Bullet In A Gun” é totalmente previsível e já soa batida dentro da curta discografia da banda. Isso sem citar as letras que em nada evoluem em relação aos discos passados.

Fica claro que a banda quer ser a nova referência quando se fala em “banda de arena” e os números mostram que eles estão perto disso. Há referências aos grandes bastiões que lotaram, e lotam, estádios ao longo das últimas décadas. “Machine”, um dos bons momentos do disco, tem a parte percussiva muito próxima de “We Will Rock You” do Queen. “Love” poderia ser a faixa de encerramento de qualquer disco do U2 pós Pop. E não seria surpresa se “Bad Liar” fosse uma sobra de estúdio do Coldplay em algum de seus últimos discos.

O que chama atenção no Imagine Dragons é que, apesar dos tropeços, não há crise de identidade, algo bastante comum em bandas por volta do quarto ou quinto disco. A banda sabe exatamente quem é, do que é capaz e no que seu público está interessado. A música criada pela banda é pegajosa, feita para ser cantada a pleno pulmões e recheada de mensagens óbvias, mas que fazem todo sentido nos momentos de catarse coletiva que permeiam as apresentações ao vivo. Nesse sentido, pode se dizer que Origins é um novo acerto, mesmo errando o alvo na maior parte das faixas.

É impossível negar que o Imagine Dragons sabe compor singles fortes e tem inegável talento em construir refrãos. É inegável também reconhecer que a banda sabe o que seu público quer ouvir. No entanto, do ponto de vista de evolução artística, Origins revela uma banda que tropeçou ao enveredar por um caminho mais pop e ainda está à sombra de suas principais referências. Talvez uma parada para respirar e lapidar mais as canções faça mais sentido para o futuro da banda do que continuar lançando novas músicas criadas no piloto automático apenas para alimentar os algoritmos das plataformas de streaming.

OUÇA: “Natural”, “Machine” e “Only”

Posted on by Victor Silveira Posted in The Prodigy
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The Prodigy – No Tourists

Se a imagem que se forma na sua cabeça quando perguntam sobre uma festa do final dos anos 90 é de raves de música agressiva e de gente com uma um visual de gosto duvidoso, em parte a culpa desse estereótipo é do gênero Big Beat, que pega elementos do Drum and Bass e do Industrial, e joga num liquidificador na potência máxima. Grupos como The Chemical Brothers, Fatboy Slim e The Crystal Method ajudaram a impulsionar esse movimento na cena mais alternativa das baladas, mas a banda que mais marcou a época, não só pela atitude e agressividade, mas também por ter popularizado a estética do gênero, foi o The Prodigy.

Mas, assim como milhares de outros gêneros, parece que o Big Beat não passou no teste do tempo, ficando ultrapassado perante às tendências atuais da EDM em geral. Tanto que o Chemical Brothers, por exemplo, mudou muito desde seu auge para se adaptar a uma nova audiência, mas sem perder certos elementos das suas raízes. E o problema do novo álbum do The Prodigy, é que parece que ele foi feito em 1999.

E se for levar pro lado de que “não se mexe em time que está ganhando”, a desvantagem aqui é que, apesar de seguir a fórmula dos trabalhos anteriores, nada é tão memorável quanto o auge de álbuns como The Fat Of The Land e Music For The Jilted Generation. A agressividade continua, a repetição também, mas é tudo de forma plástica e reciclada, deixando algumas músicas chegarem ao nível de serem irritantes, coisa que não acontecia nesses álbuns mais antigos. As duas primeiras músicas do álbum, por exemplo, seguem essa fórmula de forma mais aceitável. Mas quando chegamos em “Fight Fire With Fire”, a coisa começa a desandar de verdade e parece que é tudo parte de uma coleção de b-sides de alguma outra era da banda. Não é possível que alguém consiga ouvir “Boom Boom Tap” e achar legitimamente que é uma canção aceitável.

Pra ser sincero, não tem nem muito o que dissertar aqui. Não tem grande análise sobre sonoridades, dinâmicas, e significados de letras, já que o álbum em si não oferece nada de muito significativo nesses aspectos que mostrem uma evolução ou regressão do que a banda já mostrou anteriormente. Exceto por umas 3 músicas que são até um pouco pegajosas e interessantes, tudo parece uma colagem mal feita de coisas que qualquer ouvinte mais ou menos introduzido à discografia do The Prodigy já cansou de ouvir. Mas, se você não se cansou, talvez ache graça em mais músicas e consiga apreciar melhor. E se cansou mesmo mas ainda tem um leve interesse no Big Beat, talvez seja mais interessante acompanhar o The Chemical Brothers.

OUÇA: “Need Some1”, “Light Up The Sky”, “No Tourists”