Ex Hex – It’s Real



O fato de que Mary Timony não é um nome tão instantaneamente reconhecível quanto Kathleen Hannah, Carrie Brownstein ou Kim Deal é, ao meu ver, quase um crime. A moça é uma guitarrista excepcional e está na ativa desde os anos 90, tendo tocado em bandas como Autoclave e Helium antes de se lançar em uma ótima carreira solo. Em 2011, Mary ao lado de Brownstein, Janet Weiss e Rebecca Cole, lançou o excelente Wild Flag, único álbum da banda de mesmo nome. Pouco depois ela formou o Ex Hex, seu projeto atual.

It’s Real é o segundo álbum da banda, seguindo o ótimo e subvalorizado debut Rips de 2014. O som do Ex Hex segue bastante o que o Wild Flag fez em seu único disco, e talvez ainda mais nesse álbum do que no primeiro. Trata-se de um indie rock extremamente bem feito, com influências de post-punk, garage rock e riot grrrl. It’s Real mostra os vocais de Mary mais fortes e confiantes do que nunca, ótimos riffs e solos de guitarra, e uma bateria matadora. É um álbum de rock bastante simples e sem defeitos.

Mas, por algum motivo, It’s Real falha em causar o mesmo impacto que Rips teve poucos anos atrás. Talvez por ser um disco levemente mais sério e sem tantos coros pop punk nos refrões, talvez por ser menos explosivo do que o anterior. Não há músicas como “Waterfall” ou “Beast” aqui, e esse é o seu maior defeito. O single “Tough Enough” é o mais próximo, mas o restante do disco peca pelo “excesso de seriedade”, de uma certa forma. It’s Real é mais técnico e menos espontâneo do que qualquer outra coisa já lançada por Mary.

Com certeza ainda trata-se de um álbum ótimo e muito acima da média, feito por pessoas que sabem muito bem o que estão fazendo. Timony já tem quase trinta anos de carreira, e toda essa experiência é palpável em cada riff de sua guitarra. Ex Hex segue sendo uma banda que definitivamente vale a audição, assim como tudo o que tem a mão da Mary nesses anos todos.

OUÇA: “Tough Enough”, “Radiate”, “Diamond Drive” e “Good Times”

Dido – Still On My Mind



A maioria das pessoas não lembra da Dido. Só quando ouvem alguma playlists nostálgica dos anos 00, onde se encontram hits como “White Flag” e “Thank You”. Eu adoro a Dido, mas não acompanhei os últimos passos da sua carreira. Não sei muito sobre o que ela lançou nos últimos anos, mas quando descobri sobre Still On My Mind senti a chama da nostalgia se acender em meu coração.

Sem dúvidas, o maior trunfo da cantora é sua voz. Ela pode te confortar e te assombrar ao mesmo tempo. Ouvir uma música da Dido é como colocar manteiga na frigideira: além do cheiro maravilhoso que toma conta da cozinha é prazeroso ver a manteiga derreter. Só que um disco não se sustenta apenas com a voz. Eu ouvia as músicas e logo me esquecia do que tinha acabado de ouvir. Quase nada deixa um impacto ou capta sua atenção o suficiente pra te convencer que o tempo dedicado a ouvir o álbum valeu a pena.

A voz da Dido varia entre ser incompatível com as batidas sintéticas – como em “Mad Love” – e permanecer num platô enérgico baixo – como em “Walking By”. E mesmo que algumas letras sejam delicadas e sensíveis, isso não é suficiente para alavancar o disco. O que é uma pena, porque o disco abre com a maravilhosa “Hurricane”, uma das melhores músicas da carreira da cantora.

Still On My Mind tem pitadas de melancolia, uma dose emocional familiar e um cheirinho do início dos anos 00 que é inconfundível. Só que já estamos em 2019. Se o objetivo da Dido for fazer um comeback pro mercado, não sei se esse foi o melhor caminho. Ainda bem que posso me agarrar na memória afetiva de “Here With Me”.

OUÇA: “Hurricanes”, “Take You Home” e “Friends”

Hand Habits — placeholder

placeholder é o nome do segundo disco do Hand Habits, projeto de Meg Duffy. O sucessor de Wildly Idle (Humble Before The Void) (2017) é muito bem resumido por sua capa: intimista, pessoal e pálido.

Gravado no April Base — estúdio do Justin Vernon —, placeholder pega o que já foi antes apresentado por Duffy e eleva. As 12 faixas do cd cantam a respeito de relacionamentos e prestação de contas, na maior vibe dor de cotovelo (mesmo!). “Oh, but I was just a placeholder / A place and nothing more / Oh, I was just a placeholder / With nothing to stand for”, diz Meg em um dos refrões da faixa de abertura, um perfeito exemplo do desalento intrínseco na obra.

A instrumentalização de placeholder se arquiteta na base do gênero folk: violão ora dedilhado, ora varrido, guitarras bases e quase nuas (salvo os reverbs), baterias em padrões simples e sem pancadaria. Tudo fabricado para que a voz, e a emoção desta, sustente boa parte da melodia. O charme do álbum, nesse quesito, fica por conta do lap steel usado em muitas das faixas, que além de agravar a melancolia, acrescenta um vestígio de sonho as canções, como em “jessica” — faixa que fala sobre coração partido e suas ilusões. No meio do cd existe “heat”: faixa estranha — e imagino que feita pra se estranhar mesmo hehe — totalmente desconexa do restante do conceito de placeholder e funciona como uma quebra curiosa e eletrônica. Na segunda metade o álbum dá uma animadinha (não se emocione muito, é uma animadinha pequena!). Ou talvez só fique menos intensa a sensação de abismo inerente. São acrescentados alguns pianos, mais lap steels (ouvir “guardrail/pwrline” para entender) e, na última canção — “the book on how to change part II” —, um belíssimo saxofone, meio parecido com “For Emma” (For Emma, Forever Ago – 2008), do Bon Iver.

O novo trabalho de Duffy (que se identifica como agênero), como dito, é bastante pautado em sua intimidade e sua atuação no mundo. Anteriormente, em seu álbum de estreia, Meg mantinha o processo da gravação no estilo DIY. Após participar da banda do Kevin Morby e sair em turnê com o artista norte-americano, Duffy parece ter aprendido a gostar de trabalhar em conjunto. E é por isso que, em termos de produção e pós-produção, placeholder se torna superior a Humble Before the Void.

Por fim, o atual projeto se mostra muito maduro. Mesmo sendo um álbum demasiadamente tonal. Pra quem tá na fossa é uma boa opção.

OUÇA: “placeholder”, “yr heart”, “guardrail/pwrline” e “the book on how to change part II”

Amanda Palmer – There Will Be No Intermission



Amanda Palmer é uma pessoa extremamente passional em tudo o que faz, desde sempre. Sua carreira musical, com toda a certeza, não é diferente. Eu pessoalmente sou muito fã da moça desde seus tempos com o The Dresden Dolls e acompanho sua carreira solo desde o “fim” do duo. There Will Be No Intermission é seu quarto álbum solo, se contarmos o Amanda Palmer Goes Down Under, que foi gravado ao vivo, e o primeiro desde o incrível Theatre Is Evil em 2012. E Intermission é um álbum essencial da Amanda.

Trata-se, provavelmente, do álbum mais pessoal de toda a sua carreira. Lidando com temas como maternidade, morte, amor, aborto e casamento, Amanda canta todas as suas dores de forma bastante explícita e honesta sem medir suas palavras. ‘I was peeing in the bathroom and had left for just one second / ‘Cause I thought he couldn’t move and he was safe / As I came out I saw him falling in slow motion to the floor / It was probably the worst moment of my life‘, Palmer canta em “A Mother’s Confession”, a faixa mais longa com quase onze minutos de duração. ‘At least the baby didn’t die‘, ela continua em seu refrão.

There Will Be No Intermission é, também, um álbum minimalista quando comparado a seus outros. Toda a exposição emocional é feita através de músicas compostas apenas usando piano ou ukulele na maior parte do tempo. Isso, e o fato de que várias de suas músicas já eram conhecidas desde 2015, faz com que o álbum pareça em grande parte do tempo algo não muito impressionante.

É sem dúvida alguma um trabalho bastante confessional e com composições belíssimas – o maior problema aqui é que elas não necessariamente funcionam como um álbum coeso. Por se tratar de, no total, 20 faixas, em que muitas delas ultrapassam os seis minutos e são em sua grande maioria cantadas apenas por Amanda acompanhada de um único instrumento (piano ou ukulele), Intermission acaba sendo bastante monótono. Não existem grandes variações em ritmo ou composições e isso atrapalha um pouco o ouvinte – o real foco de Amanda aqui está em suas letras.

As letras, sim, são maravilhosas do começo ao fim. Lindíssimas, abordando temas complicados e universais a todos – principalmente a mulheres que são mães. There Will Be No Intermission desde sua capa, com Amanda completamente nua e segurando uma espada, mostra a força dessa mulher em todos os sentidos.

Mas a monotonia de Intermission infelizmente faz com que o seu álbum mais poético e pessoal já lançado tenha um tom não muito memorável. Analisar There Will Be No Intermission enquanto uma coletânea de poesias e devaneios musicados o torna um álbum memorável, mas (por falta de outra palavra) chato de se ouvir do começo ao fim. Em suas 20 faixais, o disco percorre quase uma hora e meia e são poucos os momentos em que Amanda brilha nesse contexto – se você analisar as músicas faixa a faixa é possível se emocionar e mergulhar na proposta de Amanda. Mas essas faixas todas simplesmente não funcionam tão bem como uma obra completa e coesa.

OUÇA: “A Mother’s Confession”, “Drowning In The Sound”, “Bigger On The Inside” e “Voicemail For Jill”

Weezer – Weezer (The Black Album)



Lançado no primeiro dia de março deste ano, o décimo terceiro álbum do Weezer surgiu após o hype engraçadinho em cima do Teal Album, projeto de covers divertidos com visual à la Choque de Cultura. Visualmente, The Black Album soaria como roqueiros suados cobertos de gosma preta sobre um fundo infinito. Em termos sonoros,  eu não sei o que deveria parecer.

Em entrevista à Entertainment Weekly, Rivers Cuomo disse que alguns  fãs disseram imaginar que seria um álbum de heavy metal, super pesado. Cuomo afirmou que é justamente o contrário. Há  pouca guitarra e todas as músicas foram baseadas no piano.

O álbum é composto por dez faixas são, em média, trinta e oito minutos de um projeto produzido por  Dave Sitek e capitaneado por Rivers Cuomo e dizer isso me machuca – eu acho Weezer uma preciosidade e, uma vez por semana, ao menos, escuto o The Blue Album e agradeço – mas, cara, eis um álbum cujo destaque é não possuir destaque.

Mudança e renovação são admiráveis e importantes, mas saber fazê-los da melhor forma também é. Não se trata de um álbum mal feito ou com baixa qualidade, e sim, um álbum sem propósito, ou melhor, sem ideia definida. Não há recorte, pauta ou norte. Parece que eles apenas se juntaram e falaram: “vamos!”.

Por se tratar de Weezer, isso não torna The Black Album a experiência mais horrível e cruel do mundo. Há toques de pop, um leve flerte com hip hop, animação e até melancolia. Uma salada de frutas com muitos elementos e pouca coesão, seja na ligação de uma faixa à outra, seja no álbum como um conceito.

“High As A Kite” e  “Piece Of Cake” são bons exemplos dessa junção de melancolia e alegria. Em  “Piece Of Cake”, Cuomo parece cantar sobre se entregar – e talvez se iludir  – em contato com uma paixão, há o uso das drogas para consertar os problemas e até espaço para um gato chamado Baudelaire, como o poeta francês. Essa melancolia musical da faixa, por sua vez, soa mística e individualista, como uma busca pelo absoluto.

O jogo de contrastes do Weezer entre luzes e sombras é feito pela relação entre letra e melodia. Parece existir, nas entrelinhas, algo de sombrio ou de quebra de expectativa nas letras, como se Cuomo mostra-se que não dá a mínima para o que esperam do Weezer.

É difícil saber para onde o Weezer está indo, principalmente quando o trabalho, como um todo, soa tão fácil de esquecer. Qual a próxima cor que o Weezer irá explorar?N

OUÇA: “High As A Kite”, “Piece Of Cake”, “I’m Just Being Honest” e “Byzantine”


Julia Jacklin – Crushing



A Julia Jacklin é uma moça australiana de 28 anos, no momento dessa resenha, que você talvez nunca tenha ouvido falar. E eu sinto pena de você por seus ouvidos nunca terem cruzado o caminho dela, caso seja essa a sua situação (corrija-a imediatamente). O seu primeiro álbum, Don’t Let The Kids Win, apareceu em 2016 e não fez uma legião de novos fãs surgir para a moça naquele momento. Crushing aparece agora, em 2019, com a Jacklin em sua base de folk, sólida e cativante, destacando elementos mais pesados e interessantes que antes estavam tímidos no meio de um som com algumas camadas de sujeira.

Crushing mostra uma Jacklin fazendo um som com um ar mais polido e infinitamente mais preparada para colher os frutos que esse álbum vai render (e já está rendendo, haja visto as turnês com datas esgotadas em diversos locais do mundo, os convites para posições-chave em festivais, o lugar elevado nas paradas de sucesso da Austrália e as boas notas dadas pela crítica especializada), versando de maneira mais forte, poderosa e cheia de sua personalidade sobre problemas de relacionamentos (sejam eles amorosos ou familiares) com um toque agridoce de guitarras com uma bateria ritmada.

Na questão musical, esse segundo disco acaba não entrando em méritos muito diferentes do que ela fez no seu primeiro álbum. As guitarras estão aqui mais presentes do que no outro registro, mas é o folk interessante misturado com o indie pop cativante que deixa tudo mais aprazível. O ponto alto; a cereja do bolo, talvez, seja a voz suave da moça, completando tudo com uma maestria significativa. Crushing chega no primeiro trimestre e já desponta facilmente como um álbum que certamente veremos em listas independentes por aí, em posições de destaque.

Crushing é um álbum sensível, mas sem soar melodramático e carregado. A sua sensibilidade reside na cadência leve, mais ainda assim acelerada e o ressoar das guitarras em músicas como “Pressure To Party”; também aparece com facilidade no agudo segurado da voz doce e nas batidinhas leves de bateria em músicas como “Turn Me Down”. Ele é gostoso de ouvir em dias chuvosos e cinzas, mas também tem uma aura ensolarada que o coloca perfeitamente para um dia fresco. Sua leveza é o seu principal trunfo e quando menos percebemos já chegamos em “Comfort”, querendo repetir essa viagem dos seus quase quarenta minutos.

No fim das contas, Julia Jacklin conseguiu nos entregar um álbum com uma consistência tremenda, que não se perde e entrega um pacote completo e tocante. Começa pequeno e acanhado em “Body” e vai crescendo música após música. Julia soube entender aonde tinha entregado pouco em Don’t Let The Kids Win, apara aqui as pontas soltas e chega com os dois pés no peito com um trabalho autoral gigante e marcante.

OUÇA: “Pressure To Party”, “Don’t Know How To Keep Loving You” e “You Were Right”

La Dispute – Panorama



O Quartzo Rosa é um cristal que tem como propriedade purificar e harmonizar as emoções. É energia intensa de amor incondicional, é o chakra do coração. Certo amante meu, uma vez, viu um quartzo rosa quebrar-se em sua mão. A metade era minha e a outra, dele. E se a conexão dessas duas partes bastasse para curar nossas dores? E se a energia da pedra bastasse para curar nossas feridas? Talvez álbuns como Panorama não nasceriam nunca mais.

Quando as penumbras eram mais difíceis, eu colocava meus cristais em baixo da travesseiro para conseguir dormir melhor. Cada dia uma cor, uma propriedade: no fim, a cura estava no MP4 que colocava de baixo do mesmo travesseiro, com as músicas que me levavam para os sonhos.

A experiência de ouvir Panorama não é a mesma sem ver e sentir toda o visual que o álbum acompanha. Pilgrimage, um ‘jogo’ lançado pela banda junto com o álbum, traz as letras de cada música acompanhadas, trilha sonora de imagens geométricas em computação gráfica. Tons de rosa, azul, lilás, magenta, todos dançando em ritmo.

Uma atmosfera tão magnética e escapista, Pilgrimage são 40 minutos em puro deslumbramento e tontura (por conta das nuances mostradas pelos movimentos do mouse), lugar onde é possível ver e ler todo o tecer que Panorama faz em suas dez músicas.

A valorização das letras é clara quando, naquele jogo, os movimentos do mouse, ainda que te levem para outro ângulo da cena, continuam te mostrando as letras em uma posição mais visível. Acompanhe. Leia. Sinta.

Mesmo que minhas tentativas com o Quartzo Rosa não tenham dado certo, entendo que o La Dispute colocou em seu novo álbum todo o trajeto de uma história de amor. Uma carta, longa, de um amor incondicional. E é preciso muita maturidade para encarar esse tipo de amor. Tão diferente da paixão, o tipo de amor descrito em Panorama, mesmo sendo universalmente inacabável, não é etéreo como os apaixonados pensam. É dor. E às vezes nós sangramos porque precisamos sangrar.

Entender como o outro se sente é um caminho largo que muitos preferem não percorrer. Optar por escolher um atalho, para não encarar nos outros nossos próprios medos é a escolha mais comum. “Fulton Street I”, a tentativa de encontrar essa porta chega a ser desesperante. Sentir a dor de alguém e, de fato, senti-la como excruciante não é o desejo mais agradável possível. A dor de querer tornar-se isso para alguém é um afogar, explícito em sua continuação, “Fulton Street II”.

Com certeza o maior atrativo de La Dispute, são as letras, a spoken word. Mas o instrumental é um degrau necessário para fazer de tudo uma ode. Não há muita inventividade em Panorama. A sonoridade ficar facilmente escondida em algum dos outros álbuns da banda (igualmente competentes). Minha expectativa era de que o La Dispute abandonasse completamente as guitarras neste novo trabalho. Elas ainda não o principal catalizador de momentos intensos, de clímax complexos e amarras em histórias contadas. “Rhodonite and Grief” consegue trazer metais mais do que esperados. Quem escutou os EPs da banda sabe que La Dispute sempre esteve a um passo de trazer mais “slam” e jazz para sua sonoridade. Deixou um gosto bom, de quero mais.

Panorama foi uma experiência difícil, dolorosa. Um trabalho lírico que é capaz de tirar os mais inertes e os que se escondem do escuro. Nada menos do que o esperado.

OUÇA: “ANXIETY PANORAMA”, “THERE YOU ARE (HIDING PLACE)” e “YOU ASCENDANT”

Sun Kil Moon – I Also Want To Die In New Orleans



Num universo paralelo, Mark Kozelek ganharia a vida como narrador de audiobooks.

Essa é a primeira constatação que o novo disco de Sun Kil Moon, nome com o qual Kozelek assina seu projeto solo, desperta ao fim – ou até mesmo durante – a sua primeira audição. Intitulado I Also Want To Die In New Orleans (e daqui em diante referido no texto como IAWTDINO) é o décimo trabalho de estúdio solo do ex-vocalista do Red House Painters e compreende uma hora e meia de músicas divididas em sete diferentes faixas do estilo minimalista e ao mesmo tempo verborrágico de Kozelek.

Quem é familiar com o trabalho de Sun Kil Moon sabe o que vai encontrar no corpo desse disco: canções longas, arranjos simples e muitas vezes despojados que servem mais como uma plataforma sobre a qual Kozelek expõe suas narrativas complexas e prolixas que giram ao redor de qualquer tema, desde o mais recente tiroteio em uma escola nos Estados Unidos (que agora, infelizmente, soa próximo demais) até a interação com os vizinhos e a chegada de um novo membro da vizinhança do vocalista. Não há nada muito inovador nas músicas de Sun Kil Moon, nem é trabalho delas que haja.

O problema é que esse estilo pode ser extremamente volátil em termos de resultados, e é isso que acontece em IAWTDINO. Enquanto a maioria das músicas não é objetivamente ruim, a verborragia de Kozelek em histórias que oferecem pouco e termos de payoff, reviravoltas, punchlines ou algum tipo de conclusão torna a experiência de ouvir a maior parte delas repetitiva e pouco satisfatória. As narrativas de Kozelek falham mesmo em alcançar um resultado como anticlimax, uma vez que para isso é preciso que o andamento da história gere uma expectativa que não vai ser alcançadas no final. Essa não parece ser sequer a preocupação do artista, que soa satisfeito em contar as histórias sobre um arranjo musical como se estivesse narrando as páginas do próprio diário.

Apesar disso, o disco tem bons momentos. “Day In America” é uma música de forte comentário político sobre a política de armas nos Estados Unidos bem pontuada pelo arranjo mais grave e a presença de saxofones, que dão à música o tom de uma poesia noir. As mudanças de andamento no primeiro tom da música também contribuem para não deixar o ouvinte muito confortável e oferecer alguma imprevisibilidade. “Cows” é outra música em que Kozelek passa por reflexões sobre deixar de comer carne, viagens por estradas vincinais e felicidade na Terra conduzido pelo arranjo mais grave do disco acompanhado de um saxofone que faz lembrar cool jazz antes de uma quebra em que o saxofone toma a frente da música de forma tão abrupta que parece até acidente e é o melhor momento do disco.

Infelizmente os momentos de mais cor e vibração do disco são poucos em uma paisagem que é majoritariamente desprovida de cor, de uma maneira que parece ser até intencional para Sun Kil Moon. Também pesa contra o disco que este é o segundo projeto de uma hora e meia lançado por Kozelek em dois anos, o que faz surgir a pergunta: você realmente precisa de dois discos de histórias sem payoff com noventa minutos cada?

Só não pergunte a Kozelek, porque a resposta pode ser longa.

OUÇA: “Day In America” e “Cows”


Telekinesis — Effluxion


“Back-to-basics”. É assim que Michael Benjamin Lerner descreve o novo trabalho com o Telekinesis. Effluxion, seu 5º álbum, saiu pela Merge Records no dia 22 de fevereiro. O cd tem 10 faixas e passeia um pouco mais pelo indie rock e rock propriamente dito do que seu antecessor Ad Infinitum (2015).

Para compreender um pouco mais Effluxion é preciso voltar para o debut de Lerner: Telekinesis! (2009). O músico foi descoberto por Chris Walla, ex-integrante da Death Cab for Cutie, que o ajudou a produzir o primeiro disco. Todos os instrumentos do álbum de estreia foram tocados por Michael, o que torna o trabalho bastante pessoal. Os demais álbuns tiveram participações do próprio Chris Walla, dos músicos de apoio de Lerner e também do Jim Eno (Spoon). Na obra atual, Michael resolveu voltar às raízes e fazer tudo por si próprio, desde os instrumentos tocados, até a mixagem. E é daí que surge uma das coisas positivas de Effluxion: uma boa mixagem. Limpa, sem medo de jogar os baixos e as baterias para cima, sem medo de ser quieto quando necessário.  A faixa título, por exemplo, assusta o ouvinte nos seus primeiros segundos por sua quietude e por seu som seco. Por pouco mais de 1 minuto até parece uma música perdida dos Beatles, algo ali do Yellow Submarine ou do Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club.

Inclusive, Lerner não nega ser grande fã da banda e que sua música é abundantemente influenciada pelo quarteto. É até curioso, pelo fato dele ter estudado no Liverpool Institute of Performing Arts, do Paul McCartney. Durante a primeira metade do álbum, essa predileção se mostra evidente: na levada padrão das baterias, nas linhas de baixo, nos violões melódicos e nos pianos pulsantes. No finalzinho, o som fica mais preto no branco, mais direto. Exemplo disso é a faixa “A Place in The Sun”, já lançada como single anteriormente, que surgiu depois de uma ida fracassada ao cardiologista: “My heart’s a ping pong ball skipping in a sea of goo”, diz Lerner em uma das metáforas divertidas dentre várias nas suas composições.

Falando um pouco mais sobre as faixas, “Effluxion”, que abre o cd, dá as caras para essa aventura de Lerner, sobre o ato de compor e de deixar a composição fluir. “Like Nothing”, 3ª faixa, se comporta como um iêiêiê tanto pela vibe da música, quanto por sua letra que parece ambientada nos anos 1960: ‘Minivans moms and dancehall dads / Find a little slice of the happy and sad’. “Set a Course” é parecida com faixas dos primeiros cds: folk, voz e violão no maior estilo Sufjan Stevens, S. Carey e cresce para uma batida constante e de balançar a cabeça, ao mesmo tempo em que o eu-lírico recorda sua trilha pela vida e aconselha os demais: ‘I was lost / I was found / Now just look at me / Set a course / And take it easy’. “Out of Blood” fecha o álbum como um sonho-pesadelo — um pouco mais parecido com o Ad Infinitum — com sintetizadores, programações e hi-hats.

Quanto ao título do novo trabalho do Telekinesis, ele se deriva de uma palavra latina “effluere”, que em português significa mais ou menos fluir para fora, deixar sair. Em inglês — entrando no contexto da produção, já que é de natureza norte-americana —, a palavra “effluxion” tem duas possíveis interpretações: o ato de escorrer e a passagem do tempo. Como aquela velha história do rio blá blá blá. O conceito do título é muito bem atrelado as canções: a já citada “Effluxion” e “Running Like a River”.

No geral, Effluxion tem um quê de homenagem aos clássicos. Gostoso de ouvir, dançante, tem composições divertidas e reflexivas (mas não tanto), é romântico quando tem que ser, é pop quando tem que ser, é pessoal e esperançoso, por fim. Depois dos 30 anos, Michael Benjamin Lerner, aprendeu muito e resolveu que seria bom voltar ao básico, que seria bom confiar em si e no que a vida tem a nos trazer.

OUÇA: “Effluxion”, “Cut The Quick”, “A Place In The Sun” e “Set A Course”

Xiu Xiu – Girl With Basket Of Fruit



Há algumas semanas escutei pela primeira vez Girl With Basket Of Fruit. Desde então tenho ensaiado como começar essa resenha, inevitavelmente passando por uma fase de “se você odeia barulhos desesperadores NÃO ESCUTE ESSE DISCO”. Acabei me impedindo de fazer isso porque, claro, seria desonesto com o trabalho do duo californiano Xiu Xiu: o trabalho experimental deles é, essencialmente, barulhos desesperadores.

Isso não é uma crítica fechada em si. Eu adoro barulhos desesperadores em muitos outros contextos — e outros álbuns do Xiu Xiu. Mas dessa vez alguma coisa desandou.

Fundada em 2002 e com 14 discos lançados, Xiu Xiu começou sua carreira musical apostando na desconstrução da formação musical tradicional de uma banda da cena alternativa: a base era feita por uma bateria eletrônica e complementada por instrumentos não convencionais, como instrumentos indígenas norte-americanos, violões mexicanos e por aí vai. Tudo isso permeado por uma dose de letras e performances tristes, desoladoras e devastadoras, que beiram uma espécie de violência não-física.

Sabendo de tudo isso, aceitando tudo isso, gostando de tudo isso, escutei a Girl With Basket Of Fruit esperando pelo Xiu Xiu altamente aclamado de Angel Guts, aquele que me fez escutar e aceitar e gostar de vivenciar esse desespero e tristeza que permeiam a trajetória da banda — e a trajetória pessoal do fundador Jamie Stewart.

Composto por 9 faixas somando tímidos 36 minutos, Girl With Basket Of Fruit é muito menos melódico e pop do que seu antecessor FORGET, trazendo os barulhos digitais frenéticos como espinha dorsal do disco, não apenas como um elemento, como em FORGET. A consistência, beirando a repetitividade, das faixas entre si faz com que o disco soe como um bloco de barulho e informação, como se por 36 minutos fossemos sugados por um vortex — e saíssemos dele intactos, só um pouco tontos.

Girl With Basket Of Fruit impressiona pela violência e intensidade musical, como Xiu Xiu já impressionou antes (os vocais da saturadíssima “I Luv the Valley OH!” ainda me impressionam depois de anos). Mas tudo que a agressividade do disco possibilita de violência quando se escuta, ela deixa de lado em termos de não se fazer esquecer. Depois de escutá-lo pela primeira vez há algumas semanas, precisei escutar mais duas vezes enquanto escrevia a resenha para ter certeza de que não deixaria detalhes de lado.

Para além da leve tontura, Girl with Basket of Fruit é um disco que não me causou muita coisa. Não causou boas impressões, não possibilitou boas reflexões e será rapidamente esquecido. O disco não traz a profundidade que marca a trajetória das letras e composições do Xiu Xiu, costumeiramente marcadas por comentários crus sobre política contemporânea e isolamento social e emocional e se perde em si mesmo.

Para uma banda como Xiu Xiu, que não tem constrangimentos ou amarras em se utilizar do que existe de mais visceral na música e composição experimental para fazer uma impressão livre da necessidade de apenas impressionar e desafiar, esse disco é perturbador. Mas vazio. É como uma pancada na cabeça: vai doer. E vai passar.

Para uma banda que já foi capaz de fazer profundas cicatrizes com sua humanidade crua e visceral, uma pancada na cabeça com uma bateria eletrônica frenética é pouco demais para se levar em consideração.

OUÇA: “Amargi ve Moo”, “Pumpkin Attack on Mommy and Daddy”, “Normal Love”, “The Worst Thing”